













白瓷月亮罐(朝鲜王朝, 公元1392年–1897年)
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白瓷月亮罐是朝鲜王朝中期的一件杰出作品,也被称为灯笼罐或满月罐(Dalhanari)。朝鲜时期深受儒家思想的影响,这种思想在艺术中培养了一种敏感性,强调了纯白瓷器的美,特点是装饰简约。这一时期瓷器的标志是其洁白的色调,微妙的变化使得每件作品都独一无二,通常被分类为奶白色、雪白色、灰白色和蓝白色等色调。
“月亮罐”这个名称是由韩国抽象画家金煜基赋予的,灵感来源于其圆润的形状,令人联想到满月。它柔和流畅的曲线和坚实的身躯唤起了一种宏伟与宁静的感觉。这种形状主要是在17世纪生产的。月亮罐的白色并不符合早期朝鲜瓷器典型的纯白色,也不与中期朝鲜陶瓷的灰白色相符,或是与文源窑常见的蓝色调相一致。虽然常常被描述为乳白色,但并非所有的月亮罐都展现出这种特质;许多罐子在单一器物中显示出多种白色调。此外,还可以观察到由于氧化或不完全燃烧而产生的黄色斑点,以及因液体吸收而导致的变色,这些现象出现在用于储存的罐子上。
月亮罐始终展现出多样的白色阴影,随着时间的推移而微妙变化。这种白色的有机转变及其色调的多样性,或许正是吸引我们的原因。此外,在全球陶瓷中,完全没有装饰的大罐极为罕见。月亮罐那广阔的白色球体象征着一块空白画布,激发了我们对简单的内在渴望。一旦在其表面施加任何形式的绘画或装饰,它便不再被视为月亮罐。这种空虚完美地表达了节制和匿名,毫无欲望或自我中心。其形态中固有的随机性具有令人着迷的魅力。月亮罐那庄重而细腻的表面所唤起的多样思考与灵感,体现了其时代人们所欣赏的审美情感与美感。
这件作品状态极佳,保持着几乎完美的形态。它展现出丰富的乳白色调。由于其尺寸,月亮罐通常太大,无法在陶轮上一次成型;因此,它通常是通过连接上下两个半球来构造的,就像这个罐子一样。这种连接两个半球的方法被认为起源于早期的明朝(1368–1644年),并且在制作大型罐子时非常有效。大多数采用这种技术制作的大型中国罐子都经过平滑修整,使得罐身中央的连接线几乎不可见。
相反,韩国月亮罐的接缝在烧制过程中往往会出现裂纹或变形,导致无法形成完美的球体,如本件所示。这种轻微的不规则性使大多数月亮罐呈现出残月的形状,而非满月。然而,这种不对称性为其增添了美感,体现了一种随机之美,唤起了自然界中微妙变化和运动的感觉。本件附有大正时代的购买凭证,表明它是由之前的收藏家从一家古董店购得。纸张的状况较差,有虫害的迹象。
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这一时期的审美并不追求表面的华丽或工艺的精巧,而是重视那些能静静支撑人内在精神的形式与存在方式。器物和家具不仅是使用的工具,更是一种“道场”般的存在,是修身齐家的空间。学者书斋中的朴素陶壶、简洁书案、无装饰的笔架,这些不仅是视线的对象,更是映照自我姿态与思考的镜子。
朝鲜时代的工艺品之所以拥有“不过度言说的姿态”,并非偶然。它们是为与人的精神性并行而生,不是为了震撼观者,而是为了与其共呼吸、静静陪伴、协助其找到内在的平衡。
以白瓷为例,釉面自然流动的痕迹、泥土的微微震动、器形轻微的失衡,这些“非人为的现象”并非缺陷,反而被自然接纳与欣赏。这种包容的态度,与强调完美与一致的现代审美观截然不同。它重新审视自然与人为、美与不完美、物与心之间的边界,可以说,它不仅是一种制作技艺,更是一种时代精神的体现。
可以说,朝鲜的美,并非“炫耀之美”,而是“共鸣之美”。它的价值不在于物本身的魅力,而在于它是否能引发人对于“应当如何生活、如何存在”的思考。因此,器物不应过度言说,而应蕴含留白、沉默与静谧。这种思想,仿佛流淌在整个朝鲜工艺的血脉之中。
这种价值观最终也跨越海洋,深深扎根于日本。在日本的茶道(茶の湯)中,朝鲜的白瓷与粉青沙器自桃山时代末期起便已被使用。它们朴素、静谧的气质,成为与庄严堂皇的中国舶来品相对的选择。“倾听无言之物”的美学,与朝鲜器物所承载的沉默与不完美深深共鸣,培育出一种终将体现在“侘寂”精神中的观看方式。
进入近代后,柳宗悦、河井宽次郎等民艺运动思想家从朝鲜工艺中,看到了“净化人心的力量”与“应有的生活之形”。在手工艺逐渐被遗忘的时代,这些器物不再只是古物,而是映照生活态度的存在,被以深厚的敬意与共鸣所迎接。
如今,当我面对一件朝鲜时代的工艺品时,它的静谧依然能触动我的心灵。其间所蕴含的,是一个时代对于“人应当如何生活、如何存在”的深切追问。而那无声的回响,至今仍未褪色,依然清晰地回荡在我们心中。
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