AZULEJO, Cerámica de Delft, vidriado blanco, Antigüedad holandesa, Edad Moderna Temprana（Siglos XVI–XIX）

Cuando se piensa en la cerámica Delft de los Países Bajos, suele venir a la mente la famosa loza decorada en azul cobalto conocida como “azul Delft”. Sin embargo, existe una variante menos conocida pero igualmente cautivadora: la Delft blanca, sin pintura ni decoración, comúnmente llamada "White Delft". Esta superficie blanca y brillante, que apareció por primera vez en el siglo XVI, ha sido comparada con yogur vertido sobre la cerámica: suave, espesa y profundamente opaca.

Yo mismo me sentí tan atraído por este blanco tan expresivo y por el encanto sobrio de la cerámica antigua auténtica, que emprendí un viaje por Europa en su búsqueda. Antes de darme cuenta, había reunido más de 300 piezas de White Delft. Algunas fueron desenterradas, otras heredadas cuidadosamente a través de generaciones. Todas ellas han sobrevivido siglos para llegar hasta nuestros días. Pero su número es limitado, y con la reciente revalorización de su importancia cultural en Europa, reunirlas ya no es fácil. Tras muchas visitas a coleccionistas, excavadores y sus contactos locales, finalmente encontré algunas piezas frágiles de White Delft. Al llevarlas conmigo, colocarlas en la mesa junto a la ventana y contemplarlas, me invadía una paz serena, como si estuviera practicando meditación zazen.

La luz cambiante del sol neerlandés proyecta sombras sobre la superficie de la cerámica Delft. El silencio, los espacios entre las formas. Ningún blanco es igual al otro. Cada pieza tiene su propia expresión, como un lienzo que captura el paso del tiempo, conservando vívidamente la esencia de la cerámica antigua.

Este característico blanco nació de la fusión de técnicas: el vidriado de plomo, popular en la Europa medieval (siglos XIII al XV), combinado con óxido de estaño, un ingrediente utilizado en la cerámica islámica, dio lugar a una superficie blanca y opaca. Esta técnica, conocida como esmalte de estaño, permitía una base blanca uniforme, ideal para decoraciones pintadas. Antes de esto, decorar cerámica requería tener en cuenta el color de la arcilla y del esmalte. Si la arcilla era oscura, los colores también quedaban apagados. Pero con el esmalte de estaño, los tonos claros brillaban y los oscuros mostraban un contraste más definido. Esta innovación provocó una auténtica revolución cerámica en Europa, como se ve en la colorida mayólica española e italiana. Las piezas creadas con esta técnica se conocen como loza de faenza en Francia y loza Delft en los Países Bajos.

En cambio, en los hornos japoneses, el esmalte de estaño no fue muy utilizado. En su lugar, se empleaban esmaltes silíceos a base de ceniza de arroz o de paja para obtener el blanco. Comparar los distintos tipos de blancos —el de la dinastía Song, el de la Corea de Joseon, el del antiguo Imari, y el del Delft— revela las historias culturales y paisajes que se reflejan en cada uno. Tal vez sea mi sensibilidad japonesa la que me lleva a sentirme atraído por el blanco, deseando descifrar lo que se oculta en los espacios vacíos.

La White Delft, en realidad, guarda una relación silenciosa y antigua con Japón. En 1609 se estableció una oficina comercial neerlandesa en Hirado, y con ella comenzó el intercambio entre Japón y la Compañía Holandesa de las Indias Orientales. Muchas cerámicas europeas, incluida la Delft, llegaron a Japón. Entre ellas, la Delft blanca —conocida como kōmōde (“de los cabellos rojos”)— fue especialmente apreciada por los maestros del té, quienes la utilizaron como cuencos o kensui (recipientes para agua usada). Se dice que incluso el ceramista Ogata Kenzan fabricó imitaciones, lo que sugiere que esta cerámica gozó de popularidad discreta en el mundo del té. En los encuentros de té que organizo en ROCANIIRU, también suelo colocar una tapa sobre una pieza de White Delft y usarla como contenedor de té. Mientras participo en este tipo de juegos estéticos, me pregunto qué habrán sentido aquellos antiguos maestros del té al encontrar por primera vez estas piezas tan exóticas. Seguramente, su imaginación se desbordó, viendo en sus vacíos muchas posibilidades estéticas.

Aunque cada pieza es única, muchas comparten ciertas formas comunes: platos planos, frascos tipo albarelo, etc. Sus contornos no siempre son simétricos, y en los bordes pueden verse ondulaciones parecidas a olas. Irradian una calidez que parece contener el aliento de su artesano. Estas piezas se consideran generalmente cerámica “anónima”, es decir, sin firma ni marca. Su aparición recurrente en pinturas neerlandesas de los siglos XVI y XVII, como las de Bruegel, demuestra cuán integradas estaban en la vida cotidiana. Así, la belleza universal de esta artesanía cotidiana anónima plantea una pregunta fascinante para la artesanía contemporánea.

La belleza que habita en los objetos sin nombre. ¿Qué encontramos en ese blanco que ha compartido la vida diaria? Quizá White Delft siga, incluso ahora, formulando esta pregunta en silencio.